很多伟大的艺术家都是死后出名的，在我印象中，最典型的例子就是卡夫卡和梵高，一个文学、一个绘画，两人虽然职业不同，却作为艺术家，都超越了时代。
时代容不下他们的艺术，因为他们足够“野蛮”；他们的艺术手法不在规则之内，却冲击了传统艺术规则。一言以蔽之，在梵高的时代，他的艺术手法和创作理念完全就是野路子。这在电影中也有体现：多数同僚嘲笑梵高不会构线，完全不会“画画”。
而这就是本片的起点。
与多数传记电影不同，《永恒之们》不是对梵高从生到死，事无巨细的回忆录；相反，本片的故事从梵高离开巴黎那年开始，那是1887年的事情。
依靠弟弟提奥，梵高在巴黎扎根，接触了现代法国艺术运动，这对他的作画产生了很深的影响——明亮的色彩。并且，在巴黎，他结识了众多艺术家，包括毕沙罗、德加、修拉、塞尚等著名画家。
虽然有机会浸淫艺术之都的氛围，梵高最后还是选择了离开，因为他的画始终不温不火，卖不出去；这里有艺术家的自卑，也有对弟弟的惭愧。
1888年，梵高来到了普罗旺斯阿尔勒，租了一间“黄屋子”，开始了山林野夫的艺术生活；为了表现梵高的艺术世界，导演朱利安·施纳贝尔运用了大量主观镜头和跟踪镜头。
这些主观镜头多以大特写、不规则晃动、高饱和度的颜色，以及炫目的阳光为主。
运用这些极具艺术表现力的镜头，一方面，导演带我们进入了梵高眼中的世界。通过电影镜头，我们能看到，在梵高眼里，世界是倾斜、漂浮、不稳定的，在强烈的色彩世界里，梵高如一个农夫（其实就是一个农夫），拄着拐杖，背着画具，穿梭在自然大地中，他追寻着转瞬即逝的美好，用眼睛捕捉，用双手记录，将一瞬间定格成永恒。
令一方面，导演对大特写跟拍情有独钟，就连第三视角下的人物对话也不放过，加上镜头晃动、高对比的色彩、以及大特写的视觉冲击，整个观影过程中，眼睛是极度疲劳的。而笔者认为，这是导演有意为之的。
我们不仅感受了梵高眼里的美丽世界，也承受了这种独特世界所带来的精神疲劳；而梵高无时无刻生活在这样的世界中，精神所承受的刺激超越我们常人。所以，梵高精神崩溃、记忆错乱，也就无法避免了。这就是梵高的天才之处，这种天才在旁人眼里是才华，在本人眼里是痛苦，本人只有不断创作，才能缓解这种痛苦。
电影中，梵高多次与人发生冲突，被关进精神病院，而每次出来，又必定再与人发生冲突，记忆与印象交叠错乱，整个生活轨迹不断轮回在一个怪圈里。画画是梵高跳出怪圈的唯一出路。
所以，在梵高的作品中，喷涌着生命的冲动，以及生命的孤独感。
电影中，评论家阿尔伯特对梵高的评价非常贴切：光与影的眩晕感、真实与虚幻的模糊感，就像经历一场重感冒，整个世界仿佛一场fever，在燃烧。事实上，因长时间面朝阳光，梵高晚年的视力极度模糊。
相信所有人都有感冒发烧的经历，如果你足够敏感，你就会发现，在那种状态下，世界是变形的。
梵高画作中的线条繁密、曲折，自然在他笔触下，仿佛不断升腾、晃动的火苗，用他自己的话来说：我的画就是我自己。梵高是火，面朝太阳，燃烧生命，用生命的真实感烧尽一切污秽，这是何等刚烈的个性啊。
于是，我们就能理解，为何他会以割耳朵的方式，表达对朋友高更的愧意，他是火，火是不讲道理的，他只会燃烧自己。
威廉·达福的演艺事业向来以配角为主，加上他“奇怪”的相貌，令他对神经病角色得心应手——《蜘蛛侠》中的绿恶魔、《处刑人》中的变态探员，以及最近《灯塔》中的守夜人。
这次，威廉·达福担当主演，把梵高的天真、错乱、冲动演绎得恰到好处、惹人怜悯，仔细端详片中的特写，威廉·达福和梵高自画像非常神似。尤其是达福大叔露齿微笑的时候，真是像极了马路痴汉。
电影后期，麦斯·米科尔森的出场令人惊喜，“拔叔”一袭黑袍，斯文儒雅，吐槽梵高：你觉得这也算画吗？我想，他的言外之意是，你的画这么丑，这哪是艺术，你去看看《汉尼拔》，那才叫艺术。恍惚间，笔者有着两位精神病艺术家跨越时空，促膝长谈的错觉。
电影最后，算是辟了谣。根据以往说法，梵高是自杀而死的；而电影中，梵高是被两个孩子枪杀的。这位伟大艺术家到死，都没有吐露真相，属实令人感叹：他真是个神经、古怪、善良的好人。
最后作个总结。
《永恒之门》画面绚丽、音乐曼妙，导演以非常规的拍摄手法，向我们展示了天才梵高的艺术世界，拉近我们与他的距离；演员素质毋庸置疑，威廉·达福的表演无可挑剔。这里提个建议，如果你用电脑观看本片，请戴上耳机（贵一点最好），本片的声乐（包括环境音）极其出色——看着梵高面朝夕阳，在静谧悠扬的音乐下，勾勒画布，此时，微风拂过，草树沙沙作响，飞虫嗡嗡闪过，世界如此美好。
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